Arte Paleocristiano: Catacumba de Calixto (Roma).

Relieve Conmemorativo Romano: Ara Pacis de Augusto (Roma).

Arquitectura Romana: Panteón (Roma)

Escultura griega: Alegoría del río Nilo (Roma).

Se tarta de una escultura de bulto redondo, en este caso estamos hablando de un grupo escultórico. Es un tema mitológico.
Está realizado en mármol blanco, una piedra dura que crea un aspecto compacto, de solidez y permiten una vida más duradera de la obra.
Según Plinio, los dieciséis niños que rodean y trepan por el cuerpo del Nilo representan los dieciséis codos que podían crecer las aguas del río en la estación de la inundación de los campos.

La obra que pertenece al arte griego, concretamente pertenece a la época helenística, época en la que cuatro escuelas alcazan fama y prestigio: Atenas, Alejandría, Pérgamo y Rodas.
Este grupo escultórico se realizó regido por las características de la escuela de Alejandría. Esta escuela mostró complaciencia por los temas cotidianos y alegóricos. Representó toda una galería de tipos populares en terracota, piedra o bronce, y simultáneamente desarrolló, en mármol, personificaciones de ideas abstractas, como la Alegoría del río Nilo, definido como un anciano recostado, que porta el cuerno de la abundancia y los símbolos de las tierras que sus aguas fertilizan. Esta obra es la que aquí se comenta y se puede apreciar en la foto.

Además de las características propias de las escuelas helenísticas, la escultura griega tiene rasgos que se aprecian en todas las obras escultóricas de la época.
Fijaron como módulo la cabeza y, a diferencia de los egipcios, variaron el canon de belleza ideal del cuerpo humano con el transcurso del tiempo: surante el siglo V la proporción armónica fue de siete cabezas, y en el siglo IV se elevó a ocho. Concibieron el desnudo como un esqueletoperfecto, regudo por la movilidad de las articulacione; este principio de la diartrosis les hizo acentuar a división entre en tronco y las extremidades, y dentro del torso marcaron nítidamente los pectorales, la cintura y el pliegue inguinal. Finalmente rompieron con la ley de frontalidad al adoptar la postura de contraposto, donde una pierna actúa de sostén y la otra se flexiona, desnivelándose la línea recta de las caderas.

Arte Griego: Partenón (Atenas).

Escultura egipcia: Hesiré.

Se trata de un relieve bajo de carácter plástico. El material utilizado es la madera y tiene un tamaño de 114 centímetros.
Este relieve, perfecto de los escribas del rey Zoser, demuestra con claridad cómo en el tercer milenio antes de Cristo los artisras tenían perfectamente sistematizado el canon armónico de 18 puños, la ley de frontalidad y la visión rectilínea.

Los egipcios partían de que la belleza era una idea que,para hacerse posible, tenía que someterse a un razonamiento deductivo, propio del rigor matemático. según este proceso intelectual, el suerpo humano debía estar armónicamente proporcionado, ofreciendo un acorde perfecto entre sus partes. Luego, decidieron que el puño sería el módulo regulador y codificaron la longitud perfecta del individuo en 18 puños, distribuidos de la siguiente manera: 2 para el rostro, 10 desde los hombros hasta la altura de las rodillas y los 6 restantes para las piernas y los pies. Consecuentemente los escribas del Imperio Antiguo decían que un hombre o una mujer eran "bellos" si medían 18 veces su propio puño y estaban armónicamente proporcionados, con independencia de que su portador fuera alto o bajo, guapo o feo, grueso o delgado.

La ley de frontalidad consistía en representar recta la línea de los hombros y de las caderas. Ello premitía dividir verticalmente la figura en dos mitades, que se solapaban, sin desviarse del eje central.

La tercera de las normas, llamada visión rectilínea, afectó sólo al relieve y a la pintura, quedando al margen de esta fórmula las estatuas exentas por estar concebidas en tres dimensiones. Para los egipcios, todas las figuras estaban compuestas a partir de cuatro puntos de vista: uno frontal, otro dorsal y dos laterales. Se insertaba de frente, el ojo y el tronco, y de perfil, la cabeza y las extremidades.

Como ya he dicho antes el relieve de la imagen es Hesiré, modelo perfecto que representa las características clave de la escultura egipicia. Se encuentra en el Museo Egipcio en El Cairo.

Arte Egipcio: Pirámide de Zoser (Sakkara)

Se trata de un monumento arquitectónico, con unas dimensiones de 63 metros de base por 60 metros de altura. Su colosalismo se debe al pulso espiritual que los faraones echan al Sol.
Cumple una función plenamente religiosa, ya que se trata de una tumba egipcia, pero a la vez también cumple una función conmemorativa, ya que cada pirámide se hacía en honor a un faraón, que era quién financiaba las obras.

En la época egipcia hubo tres tipos de tumbas: la mastaba, la cámara funeraria y la pirámide.
A partir de la III y IV dinastías del Imperio Antiguo(2668 - 2500 a.C.), y coincidiendo con el enorme progreso técnico alcanzado en el utillaje, aparecen las pirámides, rayos de luz pretrificados que los faraones difuntos utilizaban para ascender al cielo y reunirse allí con el resto d elos dioses. Desde el punto de vista estructural, primero fueron escalonadas, como la que se representa en la imagen; luego acodadas(Snefru) ,y finalmente, regulares(Keops, Kefrén y Mykerinos).

Las pirámides escalonadas son estructuras comunes, formadas por un graderío ascendente de pisos. El creador de esta fórmula en Egipto fue Imhotep, político y artista.
La pirámide de la imagen, se identifica por ser la primera pirámide construída con el material eterno de la piedra. Es la pirámide del faraón Zoser(2668 - 2649 a.C.). Fue levantada por su arquitecto Imhotep en la zona desértica de Sakkara.

PREHISTORIA: Cacería de ciervos (Castellón)

Teniendo en cuenta que nos encontramos ante una pintura claramente prehistorica y que utilizaban las paredes de las cuevas como lienzo, se trata de un fresco.

Los temas que representaban eran temas costumbristas y de cierto carácter religioso ya que tenían como ritual hacer pinturas relacionadas con la caza porque creían que eso favorecería la jornada.

Es una pintura plana, lineal y sin volumen.

Se trata de una pintura prehistorica perteneciente a la zona levantina. Estas pinturas pertenecen a la etapa mesolítica.

Las pinturas de esta zona tenían características propias y muy diferentes de las de la zona franco-cantábrica. Se abandona el naturalismo en favor de un esquematismo, que reducirá el suerpo a formas geométricas. Son composiciones que ilustran todo el proceso cinegético: el acecho, el ataque y la persecución de ciervos. Su técnica es monócroma, siluetando las imágenes en blanco, negro o rojo. La figura del animal deja de ser protagonista y comprate temática con el hombre. Se representan bestias y seres humanos representados a escala reducidaen, en actitudes dinámicas y agrupados.

Fueran realizadas para contemplarlas iluminadas por el sol bajo el techo de los abrigos de roca.

Su realización tuvo lugar en el Mesolítico (9000-6000 a.C.).Esta fase estuvo caracterizada por la aclimatación de las comunidades de cazadores y recolectores al aumento de las temperaturas preglaciares.

Se trata de la Cacería de ciervos, en el Abrigo dels Cavalls, Barranco de La Valltorta (Castellón).

Comentario de una escultura

Vamos a comentar una obra que transmite belleza y armonía.
Se trata de un grupo escultórico de bulto redondo. El material usado es el mármol blanco, y el tema es mitológico. Es una escultura naturalista.

El autor representa a las Gracias desnudas, mimosas y abrazadas. Simbolizan la liberalidad de dar, recibir y agradecer.

El complejo escultórico representa a las tres Gracias, hijas de Zeus, que personifican en el mundo clásico la sonrisa de la dicha frente al dolor.
Esta bella escultura está dentro de la producción mitológica del autor, y presenta características propias de la época.

Pertenece a la segunda fase del Neoclasicismo. Su autor es Antonio Canova, que es unos de los escultores de la historia del arte y el mayor representante del movimiento neoclásico. La obra se encuentra en la Basílica de San Pedro, Roma.

Comentario de una obra arquitectónica

Se trata de una obra arquitectónica de pequeñas dimensiones y planta rectangular. Es de uso funerario y se encuentra situada en el claustro del convento franciscano de Santa Croce (Florencia).

El edificio está construido con materiales sencillos, pero perfectamente combinados entre sí. Se juega con el color de los materiales. Se utiliza lo piedra gris para los elementos arquitectónicos y la cal para el revoque de los muros, lo que proporciona claridad a la obra.

Se trata de un sistema de arquitectura adintelado ya que la fachada se encuentra sostenida por columnas.

La obra se puede dividir a simple vista en tres pisos, un piso inferior donde se encuentran las columnas de fuste liso y capiteles corintios, que sostienen el pórtico; hay un segundo piso, donde se puede apreciar el arco de medio punto y varios elementos que adornan la fachada; y el último piso está formado por el exterior que recubre una cúpula interior volteada sobre pechinas.

Predomina la armonía del conjunto por su simplicidad. Da un aspecto de solidez debido al material de la piedra y predomina lo arquitectónico sobre lo decorativo, ya que el orden de los pisos y la estructura de la obra llama bastante la atención. El predominio de la verticalidad se hace presente en la obra.

Esta obra fue encargada a Filippo Brunelleschi por una familia de banqueros florentinos. Esta familia, los Pazzi, fueron rivales económicos de los Medici hasta el punto de tramar una conjura para asesinarlos. Esta capilla fue diseñada (1429)y construida para el uso funerario del clan de los Pazzi.

La obra pertenece a la arquitectura del Quattrocento italiano, donde es el propio autor de la obra, Brunelleschi, es el arquitecto más destacado de la época. Éste, entre los elementos clásicos se decanta por las columnas de fuste liso cuando construye pórticos y basílicas. Utiliza capiteles corintios de ocho volutas y arcadas de medio punto. Es considerado el creador de la perspectiva; armoniza las masas en el espacio, graduándolas según las leyes ópticas. En sus proyectos trata de conjugar los elementos y las proporciones de la tradición romana con la perspeciva renacentista (inventada por él).

Queda claro, que el autor de la obra es Filippo Brunelleschi, y la obra es la Capilla Pazzi (Iglesia de Santa Croce, Florencia).

*Filippo Brunelleschi: arquitecto, escultor y orfebre. Fue conocido, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo, y profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento.
Decidido a ganarse la vida como escultor, participó en un concurso que consistía en realizar las puertas del Baptisterio de Florencia, en el cual se tenía que representar el sacrificio de Isaac en un marco poli lobulado; tenía que aparecer Abrahám, Isaac, un ángel, dos sirvientes con un asno, leña y un cordero o una oveja. Quedó en segundo lugar, por no ceñirse a las bases y hacer un altar que parece estar llevado por el asno, además, el rostro de Abrahám aparecía con expresión irritada; este hecho hizo que se inclinase por la arquitectura en exclusiva.